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Juliana Rojas ("As Boas Maneiras"): "Os filmes de terror são naturalmente subversivos"

por Roni Nunes, Segunda-feira, 14.05.18

Artigo originalmente postado no Sapo.

Por Roni Nunes

  

"As Boas Maneiras" está a ser lançado em DVD e na plataforma Filmin após uma aclamada exibição no festival IndieLisboa, pretexto para o SAPO Mag conversar com a corealizadora Juliana Rojas sobre esta inspirada recriação do mito do lobisomem.
 
Realizadora de
 

Se a cinematografia brasileira, diferente da política, anda em alta, "As Boas Maneiras" inscreve-se sem dificuldades entre os mais belos e sofisticados exemplares a sair do país nos últimos tempos. O filme conta a história de uma mulher rica e solitária (Marjorie Estiano) que contrata uma “baby sitter” (a portuguesa Isabél Zuaa) para tomar conta do filho que ainda está por nascer.

 

Esse é o ponto de partida para uma estranha e visualmente requintada parábola que utiliza velhos mitos góticos para uma abordagem sobre as dicotomias da sociedade brasileira atual. O filme, premiado no Festival de Locarno, foi realizado por Juliana Rojas e Marco Dutra, responsáveis por outra aventura num híbrido de géneros, “Trabalhar Cansa”, estreado em Cannes há sete anos.

 

Entre os novos projetos, Marco Dutra inicia em breve as filmagens do seu novo trabalho, “Todos os Mortos”, realizado em parceria com Caetano Gotardo, enquanto “Cidade em Campo”, projeto apenas de Juliana Rojas, está na fase de captação de financiamento.

 

Em Lisboa, "As Boas Maneiras" teve uma antestreia acalorada e divertida no Capitólio, no âmbito do IndieLisboa, e o SAPO Mag aproveitou a presença da cineasta para conversar sobre o filme, agora é lançado em DVD e na plataforma Filmin após ter estreado em algumas salas portuguesas a 3 de maio.

 

Para começar gostaria que falasse do visual do filme. Há todo um cuidado para recriar um cenário que pode ser chamado de “gótico”. Ao mesmo tempo, São Paulo surge reconhecível nos seus edifícios e nos tipos de construções dos bairros…

 

Durante a preparação eu e o Marco trabalhámos de forma muito intensa com o Rui Poças [diretor de fotografia] e o Fernando Zuccolotto, o diretor de arte, no sentido de desenvolver a identidade visual do filme. Nós queríamos esse visual de fábula para São Paulo mas, apesar deste cenário “fantástico”, queríamos um equilíbrio, não pretendíamos perder a referência da cidade real. Isto porque o filme também fala sobre questões que tem a ver com a geografia dela, os bairros e a relação entre centro e periferia.

 

No filme é colocada a questão do rio como um divisor…

 

Isso existe. A região central concentra mais riqueza. No filme é estilizado, mas existe a “marginal” que separa o centro do bairro. O que fizemos foi dar a isso uma aparência mais lúdica. Fizemos muitas experiências com cores, tentando perceber quais eram mais adequadas para cada universo e, ao mesmo tempo, trabalhámos com o Eduardo Schaal as paisagens através do "matte painting", um recurso que era muito usado pelos estúdios nos anos 60 e 70. Basicamente pintava-se à mão uma paisagem de fundo para criar uma ideia de extensão. Preferimos este método, apesar da forma realista como a tecnologia hoje permite criar novos mundos. A diferença é que antes pintava-se sobre um vidro ou no próprio cenário, hoje faz-se no computador. É interessante, pois cria uma artificialidade, um estranhamento na imagem.

 

 

Uma coisa que é notável é a forma como conseguem equilibrar na narrativa elementos insólitos vindos da animação ou do musical sem cair nas facilidades da paródia.

 

Bom, não faríamos uma paródia pois gostamos muito destes géneros. De qualquer forma, nós não pensámos nisto como uma fórmula enquanto fazíamos o filme. Estávamos sempre a investigar durante as filmagens, agindo por instinto e sem saber se iria dar certo. Só tivemos mais certezas já na fase de montagem, só aí fomos encontrando o equilíbrio e o tom para dosear cada sequência e como trabalhar a música e a parte gráfica. Guiámo-nos pelas emoções da personagem de Isabél Zuaa para transitar pelos diferentes géneros ao longo do filme.

 


Os filmes fantásticos de horror têm naturalmente de explorar criativamente outros limites, tem de querer romper tabus. A matéria-prima é o subconsciente, por isso é um cinema mais subversivo. Talvez venha daí a visceralidade de que fala. É um cinema que procura o risco e a subversão, tem um propósito político ou filosófico. Os filmes do [George] Romero, por exemplo, são políticos, falam do mal-estar da humanidade e dos conflitos sociais. “Drácula” aborda a sexualidade, o corpo, traz uma metáfora sobre questões profundas do ser humano.


De resto acho que está a melhorar, embora ainda exista um certo preconceito. É algo histórico: quando estivemos em Locarno houve uma retrospetiva sobre Jacques Tourneur, que era um cineasta de filme B e só hoje está a ter reconhecimento artístico. Tinha um trabalho maravilhoso de construção de “extra-campo”, de fotografia…

 

Ainda assim, ele e o Val Lewton foram dos menos injustiçados em relação a alguns outros da [estúdio] Universal, por exemplo.

 

Sim, mas era considerado “filme B”. Ele trabalhava sobre os cenários de outros filmes maiores. Depois incomoda-me um pouco que, no ano passado, tenham aparecido conceitos como “pós-horror”, o que denota um preconceito da crítica no sentido de que, se é bom e é de terror, tem que ter outro nome para designá-lo. Para ser sofisticado, de arte, tem que ser “pós-horror”. Já nos atribuíram esse rótulo e não gosto. Fazemos filmes de género.

 

Também incluíram uma cena de transformação… São curiosas atualmente as possibilidades da tecnologia. Na altura de “Um Lobisomem Americano em Londres” [1981], algo assim foi um marco na história dos efeitos especiais.

 

Assistimos muitos filmes de lobisomens para ver como eram representados. E percebemos que os filmes com efeitos mecânicos eram mais fortes. “Um Lobisomem Americano em Londres” era um destes casos e é muito forte até hoje. Mesmo que já não seja tão realista para os padrões atuais, tem um grande impacto emocional. O problema da computação gráfica é que ela está sempre em desenvolvimento e o que foi feito há dez anos parece falso hoje em dia.

 

Por exemplo, o “Parque Jurássico” tem partes que hoje parecem falsas, mas os efeitos mecânicos, como o daquela pata do dinossauro ao lado do carro, ainda é incrível. Nós percebemos isso mas, ao mesmo tempo, havia coisas que queríamos fazer que era impossível com efeitos mecânicos. A parte dos efeitos foi trabalhada com os nossos parceiros de produção franceses, que ajudaram também a decidir quando era melhor CGI ou maquilhagem. Mas o que era fundamental era transmitir uma ideia de humanidade e o sentimento da dor da transformação.

 

Nas fantasias de terror góticas há muito um vilão "estrangeiro", que vem de terras "exóticas", como Drácula… A vossa "criatura" vem, pelo contrário, do interior da sociedade que retratam e, de certa forma, de dentro de cada um.

 

Na questão da lenda do lobisomem o mais interessante é a dualidade da criatura, que é humana e se transforma num animal. Ele vive neste conflito de ter que equilibrar as duas partes, o que corresponde a uma dualidade que tem todo o ser humano, a instintiva e animal e a racional…

 

Daí a necessidade das "boas maneiras"…

 

Exato! E que é precisamente aquilo que os nossos personagens não têm [risos]. É um título irónico, eles estão fora das regras da sociedade, cada um à sua maneira. Em todas as camadas do filme quisemos falar destas dualidades – centro vs periferia, ricos vs pobres, etc. Estes mundo chocam e a tensão vem desta oposição.

 

Marco Dutra e Juliana Rojas com o prémio ganho no Festival de Locarno

 

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por Roni Nunes às 19:40

IndieLisboa 2018: Studio 54

por Roni Nunes, Segunda-feira, 14.05.18

Artigo originalmente postado no Sapo.

Por Roni Nunes

 

Diário do IndieLisboa: era uma vez, na terra da
 

Entre as muitas histórias de ascensão e queda do Império do Hedonismo que invadiu a cultura ocidental a partir dos anos 70, a de "Studio 54" é das mais emblemáticas. Com os grandes ideais dos anos 60 em queda livre, preparando o terreno para o "prazer pelo prazer" dos anos 80, os anos 70 viram as utopias naufragarem no mar do diversão eterna. Num local específico, em Nova Iorque, esse Império teve um símbolo: o Studio 54.

 

A discoteca criada a partir de um velho teatro num lugar da cidade que, segundo um testemunho, era "o local ideal para ser assaltado", podia ter sido qualquer outro empreendimento comercial de Steve Rubell e Ian Schrager, que não tinham como sonho especial investir na área do entretenimento noturno. Uma vez a oportunidade surgida, foram apenas 33 meses apoteóticos de um símbolo de extravagâncias, muito cocaína, celebridades, multidões barradas do lado de fora, notícias de primeira página na imprensa e, claro, "disco music".

 

Schrager é quem conta essa história, uma vez que Rubell morreu em 1989 vítima de complicações decorrentes da SIDA. Os testemunhos daqueles que conseguiam lá entrar recordam uma apoteose de diversidade, um raro lugar onde os homossexuais se podiam manifestar e de convivência entre ricos e pobres (ser famoso não era o único critério para permitir a entrada) e celebridades e ilustres desconhecidos.

 

A assombrosa ascensão da dupla, que mostra talento empresarial e um enorme sentido de exposição pública de um lado, explica por outro o despreparo para lidar com o sucesso. O melhor exemplo é o absurdo do livro de contabilidade da empresa... onde até estava descrito o montante que devia ser desviado das Finanças! Este último viria ser a peça-chave de uma queda incontornável – parecendo arrastar consigo uma época de libertação que cederia espaço ao conservadorismo da era de Ronald Reagan.

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por Roni Nunes às 00:15

IndieLisboa 2018: Teenage Superstars

por Roni Nunes, Segunda-feira, 14.05.18

Artigo originalmente postado no Sapo.

Por Roni Nunes

 

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No IndieMusic, "Teenagers Superstars" retrata mais um movimento na esteira do "punk".

 

Glasgow, início dos 80: havia uma banda chamada The Pastels, que ostentava um mentor de todo o circuito, Stephen McRobbie. E daí para outras mentes: Bobby Gillespie, "raivoso, criativo e ambicioso", dono de uma coleção de discos invejável. Gillespie, pré-Primal Scream, esteve presente como baixista quando os irmãos Reid (recentemente a visitar o álbum em concerto lisboeta) descobriram a microfonia para dar uma atitude às suas músicas com três notas e extasiar a crítica inglesa e figurar no topo das listas das bíblias da Melody Maker e do New Musical Express. "Psychochandy" figurou no topo das listas de melhores de 1985.

 

Outro pilar será Alan McGee, que descobriu ao chegar em Londres que, incrível, não havia espaço para a sua banda tocar. Ele cria o seu próprio espaço (Living Room, palco para muitas bandas novas) e, para figurar na História, o selo Creation – que fixou ícones ímpares do cenário "indie" (entre as quais as bandas já citadas) até encontrar o pote de ouro no fim do arco-íris com os Oasis.

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por Roni Nunes às 00:13

IndieLIsboa 2018: Baronesa

por Roni Nunes, Segunda-feira, 14.05.18

Artigo originalmente postado no Sapo.

Por Roni Nunes

 

Diário do IndieLisboa: um retrato da favela no feminino

 

A favela é um assunto recorrente no cinema brasileiro, mas raramente sob um olhar feminino e direcionado para as vidas das mulheres num ambiente frequentemente hostil. "Baronesa" é um trabalho da assistente de realização de "Arábia", um dos filmes de autor produzidos no Brasil de maior "hype" do ano passado, Juliana Antunes.

 

Perfeitamente instalado na categoria de "docudrama", o filme acompanha um grupo de mulheres num bairro de Belo Horizonte, cidade com mais de dois milhões de habitantes do Estado de Minas Gerais. Tipicamente, foram muitos meses a viver no local e a conhecer as suas futuras protagonistas – Andreia (Andreia Pereira de Sousa) e Leid (Leidiane Ferreira).

 

O retrato revela um mundo reconhecível, mas não visto noutros projetos: as suas "personagens" espelham o drama de quem espera, de quem cuida da casa e dos filhos enquanto os maridos estão na prisão ou foram mortos em algum confronto de gangues. Juliana Antunes apostou na ideia de um equilíbrio entre a dureza do que filme mostra sem mascarar a presença do álcool, das drogas e dos abusos sexuais, e o lado humano destas pessoas.

 

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por Roni Nunes às 00:07

IndieLIsboa 2018: Here to Be Heard - The Story of The Slits

por Roni Nunes, Segunda-feira, 14.05.18

Artigo originalmente postado no Sapo.

Por Roni Nunes.

 

A baixista Tessa guarda com carinho uma série de recortes dos seus tempos de Slits. É com eles que o filme começa: é a história de muitos jovens que revolucionaram o mundo do rock no final dos anos 70. Saturados com a hipocrisia do mundo dos grandes dinossauros na música e, num âmbito expandido, da sociedade inglesa em geral, ergueram a bandeira do "faça você mesmo" e abriram um mundo de possibilidades mesmo para quem só sabia tocar um par de notas na guitarra.

 

O que interessava era a atitude. E isso Ari-Up (vocalista) tinha o suficiente para contagiar as restantes – particularmente Palmolive (que tocava bateria como se o mundo fosse acabar) e a guitarrista Viv Albertine. Com um "line-up" instável desde o início, no seu primeiro álbum tiveram Budgie, mais tarde célebre "partner" de Siouxie, na bateria.

 

O "punk" incomodou os conservadores britânicos, que menos preparados ainda estavam para mulheres a tomarem as suas próprias decisões, vestirem-se de forma irreverente e, principalmente, tocar alto, pesado e sem se importar com a opinião alheia. Tiveram dificuldades em deixar de ser a "banda de abertura" dos Clash e dos Sex Pistols, mas ao rasgarem o "papel" que estipulava o lugar da mulher na sociedade lançaram o caos num existência curta.

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por Roni Nunes às 00:01


Comentários recentes

  • Cleber Nunes

    Sem dúvida é um filme que me despertou interesse ...



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